最近跟朋友聊到什么是好的素描，想起了陈丹青说“每次看到中国式的素描，我就想死，我觉得我宁可一辈子不画。”
陈丹青所说的“中国式素描”就是题主所说的“我们学的素描”。
比起中国大部分写实画家，陈丹青有资格批评所有人“在座的都是垃圾”。他的素描很“本质”，没有多余的用笔，25岁的水平甩出同行很远。
什么是“中国式素描”？
中国长大的画画人，老师们大部分师承苏派技法，三大面（亮灰暗）、五调子（高光、亮部、灰面、反光、投影好像是这样）；立体感由交界线、反光、投影组成。
这个认知方式，很好理解。比如我听说过某老师说：
“素描的终极目标就是消灭线”。
这就是苏派素描的特殊标准之一，听起来简单，但也限制了很多人对素描的理解。
苏派马克西莫夫教学法也是如此，追求用颜色色块和色差来塑造体积和空间。
但如果你相信了这句话，你就会有个疑问--西方画线的大师数不胜数，他们的素描不好吗？
安格尔还告诉学生德加“年轻人多画线”，这又是为什么？
要回答这个问题，我们可以仔细看一下国内的习作。
随便找一张“全因素素描”，画得很深入，细节多，颜色把握也好，质感也好。
但画很怕比较，和米开朗基罗放在一起，对比就很明显了，米开朗基罗的一块块肌肉骨骼，是独立且连贯的，每个形体都有自己清晰的形状，从哪儿开始到哪儿结束。
“全因素素描”里拇指肚就很扁，手指根部和虎口没有分界，边缘线的硬度完全雷同，哪是骨头，哪是肌肉，都完全看不出来。
手腕的截面形状到底是长方形还是圆形，在哪里开始出现转折，都是很模糊的涂了颜色。
换句话说，颜色很多但传达出的信息量太少。
想要在二维的纸上创造出三维空间和形体，“涂满灰色”是无用的，用线条去画，明显是更高效的方法。
也许有人会反驳说，“全因素素描”是种初学者的训练方式。
这种方法虽然有效，可以帮初学者画准形状，但这里还有个问题，光画准就可以了吗？
根据大卫霍克尼的研究，如何画准，这个问题早在15世纪西方画家圈就推广了解决方法，他们用透镜投在画布上，直接描。
这么画是不是也很准？那我们反复训练，把自己训练成一个准确型工具，图什么？
有兴趣可以去看《隐秘的知识》一书，讲的非常有趣，像部侦探小说
所以，磨磨蹭蹭并不能让你画出一张好素描，理解形体本身，才能画出一张好素描。
有学生跟我说，他觉得全因素素描“立体感更强”
真的立体感更强吗？这里我们可以比较一下
米开朗基罗的这张素描，如果我伸手摸过去，我是能明确感受到肩膀离我最近，颧骨稍远，胳膊肘更远。能知道哪里是坚硬的骨头，哪里是肌肉。这种精准的空间感，是来自解剖知识和形体的认识，长期素描坐在椅子前，无论如何也想不出来。
而另一种“全因素素描”的惯用手法是，依靠虚实、空间、光影营造一种舞台感和黑白照片感，至于远处胳膊肘是否比肚子更远？那种小幅度的空间错乱，作者不在乎，没受过训练的观者也不在乎。
我的大学老师闫平跟我说过，要多看米开朗基罗，“他的空间就是空间本身，每个手指的位置都不一样，跟明暗虚实无关”。
素描是做什么用的？
素描sketch本身就是手稿、草稿，它解决的不是“我能画出毛孔”“我能画的像照片”，
素描训练本身解决的就是人对体积空间的理解。
伦勃朗手稿看起来很潦草，是因为他压根无所谓“在这张手稿里我能研究明白哪部分形体”，他在意的是人物姿势、力量感、胸腔骨盆朝向，还有画面构图。
这就是“草稿”的功能所在，去掉我擅长的部分，去掉颜色，先看一下整个画面这么弄行不行。
它是作文的“提纲”。
而中国式素描，相当于把作文提纲反复打磨，打磨到800字，考试也要考“写一个800字的提纲”。
我无意批评艺考的科目设计（毕竟我自己也是这么被筛出来的），也无意妄谈历史原因，批评留法留苏老先生。只是想把陈丹青不愿多加解释的观点分享出来。
凡事皆有因。20世纪粉磨登场的中国式素描，曾为建设政治国家效忠尽力。在21世纪发扬光大的中国式素描，也会为建设经济社会增光添彩。然而这增加的光亮，既不是技术传承，也不是思想美学的传承，只是立了很多“祖祖辈辈传下来的规矩”，跟猴子剪尾巴的社会学实验一样，迫害新加入的青年人。
绘画这门手艺在当下，意义已经很微弱了，希望未来的年轻人借由这篇小文，主动扔掉固化的训练方法，追求开放的多元的审美。
陈丹青《西藏组画》手稿和其他手稿
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